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El Burlador de Sevilla: I Know You Love To Fall.

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Siempre llego tarde. Cada vez que tengo que seguir el ritmo colectivo, me convierto en líquido y me derramo por todas partes. Mi tempo es otro. Es probable que respire una música más pausada cuando una huella turba mi piel.

Verbos, emociones, sensaciones, experiencias, todo aquello que me ayuda a sobrevivir, “eso” que me quita la angustia de existir. Por eso antes de que sigas leyendo, quiero aclararte que si buscas una crítica o una reseña sobre la adaptación del Burlador de Sevilla de Darío Facal para el Teatro Español, es mejor que abras una nueva ventana. En esto de lo virtual, todo es más sencillo, abres una ventana y escapas a otro lugar.

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“La Anarquista” de David Mamet: estreno simultáneo en Broadway y en el Teatro Español.

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Hoy, martes 4 de diciembre se estrena la última obra del guionista, dramaturgo y director de cine americano David Mamet. La Anarquista es más que una obra de teatro, es un planteamiento profundo sobre el poder y la brecha que crea en una sociedad completamente dividida ideológicamente.

La Anarquista, que se estrena simultáneamente en Broadway y en Madrid en el Teatro Español, es un reto tanto para el director Jose Pascual, que ya es la cuarta obra que dirige del escritor americano,  y para las actrices, ya que al ser un estreno sincrónico, no existe ningún tipo de referencia a la hora de crear la puesta en escena. Una historia que trata grandes temas como el engaño, la redención, la libertad, el poder o el dinero.

Ana Wagener y Magüi Mira serán, en España,  las actrices que den vida a dos mujeres claramente opuestas. Anne, el personaje de Ana Wagener, una funcionaria de prisiones, vive entregada a un sistema y se refugia en su cumplimiento del deber extremo. Su vocación y su obsesión por ejecutar a la perfección su trabajo, le convierten en una mujer posiblemente condenada a una vida tan férrea como los muros de la cárcel en la que trabaja. Mientras que Cathy, una condenada a cadena perpetua, que debe de demostrarle a la funcionaria que está rehabilitada y que ha renunciado a sus ideas revolucionarias, posiblemente sea el personaje que a pesar de su encierro, no ha perdido su carisma y ha llegado a vivir una vida más rica que la funcionaria que le entrevista.

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Una sola escena que transcurre a tiempo real nos da una idea del esfuerzo actoral que hay detrás de cada palabra. Gracias a un diálogo ingenioso y agudo, empezará un juego de mundos, donde nada es lo que parece. La lucha de dos mentes ingeniosas, una antisistema y revolucionaria,  contra una mente burocrática  y opresiva.

Un pozo sin fondo donde descubriremos la entereza y las agallas que hay que tener para usar nuestra libertad como seres humanos y lo débiles que somos para utilizarla.

Ciclodrama estuvo en el encuentro con la prensa donde las actrices hablaron de su experiencia durante el proceso de creación. Una gimnasia actoral, un entreno específico, donde cada palabra es tratada de una manera especial y los movimientos son muy estudiados. Reprimir y confiar son dos de las claves para llegar a interpretar una obra donde el lenguaje es el motor de la acción.

La Anarquista estará en la sala pequeña del Teatro Español desde hoy 4 de diciembre hasta el 27 de enero.

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LEVIATHAN: un Moby Dick constructivista.

LEVIATHAN

Tiempos pasados fueron mejores. Eso es lo que se preguntará mucha gente cuando sale de la que debería de ser una experiencia áltamente sensorial y mágica. Vamos a adentrarnos en el ballenero más famoso de la literatura universal. Vamos a ser parte de la tripulación, que al mando del capitán Ahab, viajará por medio del océano y luchará contra el gigantesco cachalote blanco.

La libre adaptación del “Moby Dick” del escritor americano Herman Meville, es eso, libre. Depende mucho de la actitud de cada uno ante la sorpresa y el misterio de: ¿qué nos van a hacer vivir? Mientras minutos antes de la función, el público, mayor o menos mayor, se siente como un niño antes de contemplar un espectáculo de marionetas, se respira un ambiente divertido y caótico. Caótico porque uno debe de dejar sus pertenencias en el guardarropa y equiparse con un chubasquero blanco, digno del gran Pescanova.

Ataviados y preparados para la gran aventura épica que nos espera, no hay más que sonrisas nerviosas y miradas cómplices entre los asistentes. No hay butacas, sálvese quien pueda. Pero el deseo de sentarse en lo que creemos el mejor lugar para disfrutar de la función, se desvanece en cuanto los tripulantes del Pequod nos empujan y nos gritan para que les dejemos pasar con grandes estructuras.

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En cuanto nos queremos dar cuenta, estamos en medio de una gran rampa, envueltos por una mágica y maravillosa música coral rusa que nos sumerge en una tragedia de estructuras, golpes y lenguajes encriptados. Esperamos que nos mojen, ¿por qué si no llevamos chubasqueros? Caen cuatro gotas, y la energía exaltada del público empieza a transformarse en una molestia de desasosiego e incomprensión.

Todo lo que sucede está envuelto por una clara inspiración del constructivismo ruso. Momentos en los que bien nos creeríamos en una clase de “el actor y el objeto” de la escuela de Jaques Lecoq, y donde la monocromía reina con el negro, blanco y rojo. Las varas, jugadas como si fueran arpones, se convierten a su vez en el vientre de la ballena, y telas y aire se trasnforman en momentos que podrían haber sido mucho, pero se quedan en nada.

Más que una obra de teatro, es una performance de calle, donde la compañía inglesa Living Structures intenta beber de todo lo anterior, de Jodorowsky o de la Fura dels Baus, pero se queda lejos. Grandes voces en directo y un final, que, si uno está predispuesto y posee una imaginación desbordante, puede llegar a sobrecogerle. Y es que, ¿cuándo se va a repetir en una vida estar en medio de una sala a oscuras, escuchando el canto de unos seres que bien podrían haber bajado a la tierra para despedirnos ante el fin del mundo? Sí, hay que cerrar los ojos, dejarse llevar, empujarse a creer e intentar vivir la experiencia sensorial.

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LEVIATHAN se representa en las Naves del Español (Matadero) hasta el 2 de diciembre. Un Apocalipsis opresivo y perdido que nos lleva hasta la triste vida de unos seres, que siendo el Pequod o no, por momentos nos hacen sentir insignificantes ante un océano y un monstruo que no caben ni en nuestras peores pesadillas.

Living Structures: Leviathan Trailer from kate rowles on Vimeo.

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“Los conserjes de San Felipe”: una producción, del Centro Dramático Nacional, llena de color para estos tiempos en blanco y negro.

Vivimos tiempos convulsos. Nos rodea un ambiente crispado, tenso, preocupado y frustrado ante la actualidad política y social que invade nuestro país. Como si una nube negra se apoderara del aire que respiramos, la esperanza se diluye en un día a día en blanco y negro.

Pero no hay que sucumbir al mal que nos acecha, la luz y el color son más grandes que todo eso y late en cada uno de nosotros, sólo tenemos que creer en su existencia. Y esa gama de colores, olvidada por muchos, aparece de manera exponencial en “Los conserjes de San Felipe”. El texto es de José Luis Alonso de Santos, la dirección de Hernán Gené y la vida de la obra la dan los actores y sus cuerpos llenos de energía.

Este espectáculo es muy diferente de todo lo anterior hecho en este país. Se respira una apertura hacia algo nuevo. Y es que, la obra es la 1ª producción que surge del “Laboratorio Rivas Cherif”. “La vía del actor” es un nuevo espacio creativo que nace para que las producciones surjan de elencos formados, para que los actores se conozcan y se conviertan en actores-creadores.

“Un nuevo actor para un nuevo teatro”.- Ernesto Caballero.-Director del CDN-.

Y un nuevo teatro que ayude a crear nuevos espectadores y de todos se construya un nuevo mundo. Gracias al collage de recursos y estilos teatrales que se fusionan, como musical, teatro visual, teatro de objetos, marionetas, comedia, parodia…Con todo eso y la maestría de todo el equipo artístico, se crea algo único e irrepetible en cada representación .

“Cada representación, vive en el momento en que el espectador ve al actor, pleno de vida, durante la función, y muere cuando ella termina. Esta función es única e irrepetible”.- Hernán Gené.-Director del espectáculo-.

Una Cádiz de 1812 inmersa en un bullicioso momento histórico, la declaración de La Constitución. Gracias al elenco de actores, los personajes cobran otra dimensión, una dimensión real, tan cercana y sincera que poco a poco el personaje se diluye dejando ver a la persona. Un grupo de personas que realmente murieron frente a batallones de fusilamiento, en emboscadas o luchando por la libertad. Personas humildes que amaron, rieron, cayeron, pero que siempre ante las dificultades y las penalidades de la guerra no perdían la sonrisa ni las ganas de vivir.

Porque el discurso político puede existir dentro de una chirigota o de una copla. Porque el discurso político tiene que representar al pueblo, y el pueblo es vida. Realmente una delicia de obra, un regalo al ánimo que estará hasta el 14 de Octubre en el Teatro Español.

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